ART IN AMERICA
La mejor bienal del mundo se celebra en San Luis.
Para los organizadores de Counterpublic, una exposición de arte público con conciencia cívica, la pregunta no solo era cómo crear obras de arte específicas para un lugar y con compromiso cívico en la era de la policrisis, sino también por qué. Entonces, la amenaza existencial provocó una reflexión existencial que replanteó de manera significativa lo que podría ser una exposición recurrente del tipo bienal/trienal.
El equipo tituló la edición de 2026 "Coyote Time", en referencia a un videojuego que la artista Alice Bucknell creó para el evento. El término se refiere al breve lapso de tiempo que transcurre después de que un personaje cae por un precipicio, antes de que la gravedad lo alcance, cuando el jugador aún puede saltar. Recibe su nombre del Coyote, quien se cierne sobre el cañón hasta que mira hacia abajo y calcula la altura.
En el Instituto Internacional, el grupo curatorial instaló varias obras nuevas, comisionadas temáticamente para la labor del Instituto. En la fachada, la monumentalización metálica de dibujos infantiles de Kosovo, obra de Petrit Halilaj, evoca su infancia como refugiado durante las guerras yugoslavas. En el interior, la escultura cinética de Rachel Youn muestra flores artificiales moviéndose mecánicamente como los cepillos de un lavadero de autos; su obra es un homenaje al trabajo inmigrante (incluido el de su propia familia). Para preservar estas obras, Counterpublic también recaudó fondos para recontratar a algunos empleados que habían sido suspendidos temporalmente y cubrió mejoras en el edificio: pintura nueva y un techo nuevo.
Otra obra de arte discreta, Appreciation (2026) de Brianna Leatherbury, consiste en esculturas enterradas bajo tierra: hechas de fosfato recuperado por una empresa de agrotecnología de las aguas residuales de la ciudad, las obras absorben plomo y limpian el suelo. Sin un letrero de Counterpublic, la intervención de Leatherbury seguramente pasaría desapercibida; sin embargo, es uno de los proyectos que más me impactó. Por invisible que sea, la obra es a la vez una solución a la contaminación y un símbolo: cuatro esculturas están plantadas en The Ville, un barrio negro que aún conserva vestigios de la desinversión de San Luis, y otras cinco se extienden a lo largo de la ribera del río, donde se concentran numerosas ambiciones urbanísticas. Ambos terrenos han sido declarados "desocupados" por la ciudad, y el proyecto de Leatherbury subvierte las nociones de residuos y valor: el arte hecho con heces reduce la toxicidad de cada parcela y la convierte en un mejor inmueble, pero la discriminación racial y el racismo mantienen su valor de mercado desigual.
Otras dos obras de Land Art de la época reciente tienen un efecto de biorremediación, pero si parpadeas te las perderás: Chris Carl instaló un jardín con plantas mayoritariamente autóctonas y un sutil paisaje sonoro cerca del centro principal de Counterpublic, y Lynne Smith renaturalizó un estanque postindustrial en el National Building Arts Center (NBAC), hogar de la mayor colección de artefactos arquitectónicos del país, justo al otro lado del río Misisipi en Illinois. El NBAC ocupa una fundición de acero en desuso en lo que alguna vez fue la ciudad de la compañía Monsanto, la corporación química a la que debemos el DDT, el Agente Naranja, Primavera Silenciosa de Rachel Carson y mucho más. Un día, mientras recolectaba bayas de zumaque allí, Smith se topó con un muelle de carga que había sido convertido en un estanque de retención para gestionar la escorrentía, donde las ranas ponían huevos mientras los renacuajos jóvenes se deslizaban. En un esfuerzo por hacer que el lugar fuera aún más amigable para las ranas (y rehabilitar una escena del crimen químico que podría considerarse apocalíptica), el artista instaló una estructura de tres cámaras, diseñada a imagen y semejanza del corazón de estos anfibios, para filtrar el agua de lluvia y los sedimentos, que se utilizan para cultivar antiguas plantas de loto nativas americanas con el fin de mitigar tanto el crecimiento de algas como los característicos olores químicos de la ciudad.
Es evidente que la sostenibilidad es un tema central de «Coyote Time», pero va más allá del sentido ecológico: la escala de la exposición está cuidadosamente planificada y resulta sorprendentemente humana para los visitantes, y cada obra de un artista vivo es un encargo nuevo. Esto significa que la organización no asume más proyectos de los que puede sostener de manera significativa, ni ofrece a los visitantes más de lo que pueden disfrutar plenamente. Con demasiada frecuencia, los asistentes a las bienales se marchan agobiados y los artistas acaban endeudados, al borde del abismo, preguntándose si todo valdrá la pena.
Los modelos de redistribución, de arte como infraestructura y de sostenibilidad de Counterpublic encuentran precedentes, por supuesto, en las prácticas de los artistas. Tomemos como ejemplo al dúo formado por Ryan Trecartin y Lizzie Fitch, que participan en la exposición: cuando el escultor y la videoartista recibieron un importante encargo de la Fondazione Prada para una exposición en 2019, utilizaron los fondos para construir un escenario —que incluía un granero prefabricado con un «río lento» al estilo de un parque de atracciones— donde ahora viven y trabajan. Para «Coyote Time», crearon una estructura similar que difumina los límites entre la performance y la vida: un escenario para la ciudad que ofrece un espacio para la reunión cívica, las artes escénicas y el juego. El característico uso lúdico del color y la escala del dúo se une a una biblioteca de equipos con proyectores, altavoces y micrófonos. El escenario es una de las 15 obras —entre ellas las de Honda, Ligon, Halilaj, Smith y Carl— que constituyen un regalo permanente a la ciudad.
Cualquier proyecto tan ambicioso plantea interrogantes difíciles ; de hecho, ese es precisamente su objetivo. Uno de ellos tiene que ver con la peligrosa relación entre los esfuerzos bienintencionados por mejorar la infraestructura urbana y la gentrificación que con demasiada frecuencia los acompaña. Si bien el desplazamiento de los residentes urbanos más pobres se consideraba antes un efecto secundario desafortunado de las bienales y eventos similares, ahora hemos visto cómo promotores inmobiliarios y municipios contratan estratégicamente a artistas con el fin de aumentar el valor de las propiedades. De hecho, en la noche de la inauguración, vi a un manifestante solitario con un cartel que decía: «Nuestras comunidades no son su marca».
Pero se podría argumentar —de hecho, Counterpublic parece hacerlo— que si sabemos que el arte y el sector inmobiliario ahora van de la mano, tal vez esto pueda aprovecharse en beneficio de la comunidad si los organizadores, y no los promotores inmobiliarios, están al mando. Sin duda, vale la pena intentarlo. Cabe destacar que socios comunitarios —como 4theVille de The Ville, en nombre de la escuela secundaria Sumner— contactaron con Counterpublic para colaborar, en lugar de al revés. La escuela estuvo a punto de cerrar varias veces, pero para recordar a la ciudad su importancia cultural —que puede parecer contradictoria con su abandono material—, Counterpublic encargó a Tony Cokes la creación de un memorable homenaje a la exalumna Tina Turner, instalado en una iglesia cercana. Y Timmy Simonds —cuyo proyecto en curso, Miss Othmar School for Teachers , imagina una escuela sin alumnos— creó banderas que rinden homenaje a la primera escuela de formación de maestros negros al oeste del Misisipi, que en su día se ubicó en el mismo lugar. Un guiño ingenioso a cómo a los profesores —como la mismísima Miss Othmar, de Peanuts— a menudo solo se les ve de la cintura para arriba, estos antiguos paracaídas con forma de pantalón evocan su personalidad completa, a la vez que subvierten la jerarquía del aula y la autoridad del profesor. Todos somos profesores y alumnos a la vez.
Si bien Counterpublic se esfuerza por ofrecer soluciones a problemas cívicos de diversa índole, estos gestos destacan por su honestidad al no intentar disimular las deficiencias. Las obras de arte exponen los problemas a la vez que buscan mitigarlos, situándose en un punto intermedio entre la crítica y la reparación. Sabemos que el arte no es la solución ideal para los problemas cívicos, pero aun así, las soluciones comienzan en algún lugar. Como afirma Rebecca Solnit, «la revolución nace en la imaginación», o como dijo Andrew Breitbart (elija su defensor), «la política es consecuencia de la cultura». Sin embargo, en «Coyote Time», el arte es más que un punto de partida, porque la exposición siempre reflexiona sobre su legado: un lugar donde sentarse, una cocina donde cocinar, un rincón de sombra, un escenario desde donde gritar, tierra donde cultivar.
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